Что это такое?
читать дальшеСвоим возникновением аниме обязано манге — японскому варианту комикса.
Этот термин имеет весьма почтенную историю — его придумал великий художник Кацусика Хокусай для серии гравюр “из жизни”. Слово запомнилось, что называется, пошло в народ. Со временем им стали называть любые истории в картинках.
Чем манга отличается от своего европейского и американского собрата?
Ну, хотя бы тем, что по сравнению с комиксами в ней более плавная и подробная раскадровка. Часто каждая отдельная картинка показывает лишь то или иное движение персонажа, и “прочитать” их можно только в последовательности. В результате получается что-то вроде сплава кино и комикса. Не зря то же аниме получило свое название лишь в семидесятых годах прошлого века, а до этого именовалось manga iega — движущаяся манга.
Если в других странах комиксы вчистую проиграли битву кино, в Японии на этом фронте нет ни победителей, ни проигравших: войны не случилось. Так тесно связанным жанрам воевать не имеет смысла. Они до сих пор дополняют, обогащают друг друга, и это идет им только на пользу. В данный момент интерес японцев к аниме просто огромен, а манга занимает треть от числа выпускаемой в Японии печатной продукции.
Система сотрудничества проста: большая часть аниме-сериалов до сих пор снимается по манге. То есть сначала издается манга, и если она пользуется спросом, то по ней почти наверняка делают аниме-сериал. Этот процесс запросто может идти “прямо с колес” — с появлением очередного тома манги добавляются и новые серии. Есть очень популярные аниме-сериалы, выходящие таким образом уже на протяжении лет пяти, семи, десяти.
Справедливости ради следует добавить, что еще одной из причин популярности манги является излишняя усложненность японской письменности: средний японский школьник начинает полноценно читать лишь к концу начальной школы, к возрасту двенадцати лет. До тех пор манга просто незаменима. В ней, как и в любом комиксе, мало текста, и он предельно упрощен. Ну а тот, кто в детстве зачитывался мангой, потом с удовольствием смотрит аниме о приключениях рисованных героев.
Аниме и “мультик” — одно и то же? Принцип вроде бы одинаковый. И там и там группа художников, следуя указаниям режиссера, один за другим рисует кадры, они переносятся на пленку, и возникает очередная история о бессмертных драконах, великих волшебниках, прекрасных девах, негодяях, строящих злобные козни, и благородных, бесстрашных спасителях человечества. И все же отличие есть, и большое. При внимательном просмотре, если не настраиваться только на сюжет, даже в сериалах, сделанных вроде бы для самой невзыскательной публики, прослеживается некая знаковость аниме, устойчивый символьный ряд. Это не случайно, поскольку особое понимание мира у японцев связано с буддизмом, дающим, кроме всего прочего, ощущение некоторой иллюзорности, нереальности окружающего. К этому надо добавить и систему письма, имеющую в своей основе не фонему, а символ — иероглиф. В старину в Японии частенько рукописи снабжали массой иллюстраций не только из эстетических соображений, но и для того, чтобы сделать текст понятнее.
Кстати о символах. Сейчас в Интернете существует система символов-смайликов, позволяющая отображать эмоции минимальными средствами. Стоит, к примеру, написав короткую фразу, а то и просто одно слово, добавить к ним смайлик — улыбающуюся рожицу, — и всем станет понятно, что ты шутишь. К тем же самым словам можно добавить иронически улыбающуюся рожицу, и это придаст написанному изрядную долю скепсиса. Если воспользоваться смайликом со злобной рожицей, ясно, что ни о каких шутках не может быть речи.
В аниме же система символов усовершенствована до предела: это помогает сконцентрировать внимание зрителя на эмоциях персонажа. Например, в комедийном сериале “Ресторанчик Онимару Мики” очень тщательно прорисованы образы героев, но в ключевые моменты они частенько становятся схематичными. При этом лица героев искажаются, и в зависимости от того, какие эмоции надо подчеркнуть, у них могут либо на мгновение вырасти гигантские клыки, либо появиться очень маленькие глаза и узкая, ехидная улыбка. Те же самые маленькие глаза плюс губы “бантиком” означают смущение, застенчивость. Если к агрессивной улыбке добавляются языки пламени на заднем фоне, это означает, что герой не просто злится, а по-настоящему в ярости. Чаще всего система таких “смайликов” используется в комедийных сериалах, но бывает, ее применяют и в “серьезных” аниме. Например, в сериале по культовой готической манге “Хеллсинг”, повествующей о буднях подразделения истребителей вампиров, этому приему тоже нашлось место. Очевидно, для того чтобы дать зрителю хоть немного перевести дух, отвлечь на минуту от закрученного, словно пружина, сюжета, от кровавых драк и стрельбы.
Аниме вообще активно взывает к эмоциям. Движения героев, язык тела, детализация облика — все, чтобы как можно точнее передать эмоциональное состояние, заставить сопереживать себе. А тонкая прорисовка “задника” и великолепно подобранная музыка служат эмоциональным фоном, доставляя к тому же чисто эстетическое удовольствие. Не в этом ли — в тончайшем эмоциональном “тюнинге” — один из секретов популярности аниме? На это же, кстати, нацелена и доведенная до совершенства кавайность персонажей.
Что такое “кавай”? В старину этим словом называли детей и красивых, пушистых животных. Уже на старинных гравюрах детей изображали с увеличенными глазами, старались показать их как можно более милыми. Это были первые элементы кавая; такие картинки вызывали положительные эмоции, а значит, и лучше распродавались. В дальнейшем происходила отработка и других элементов кавая. Уже в семидесятых годах двадцатого века произошел прорыв. Все детали соединились, появилась торговая марка “Hello Kitti” и, соответственно, ее образ — мягкая игрушка Kitti, ставшая настоящим символом кавая. До сих пор ее изображение в Японии можно увидеть повсеместно и на чем угодно, начиная от тапочек, ноутбуков и заканчивая вагонами метро.
Очень скоро в аниме появилось целое направление, которое так и назвали — кавай. Герои в нем не только выглядели ну просто очень мило, но и вели себя соответствующим образом, совершая наивные, нередко глупые поступки. Определенной возрастной категории это пришлось по вкусу; жанр процветает до сих пор. Впрочем, элементы кавая вообще активно используются в аниме, особенно в облике героев, зачастую обладающих огромными, в пол-лица, глазами. В сочетании с крошечными, булавочными носами и ртами это производит на человека со стороны несколько странное впечатление, но после просмотра парочки фильмов становится привычным.
Есть и исключения. Хаяо Миядзаки, гуру анимации, достигший в аниме наивысшего успеха, никогда этим приемом не пользовался. Впрочем, полностью от приципов кавая отказаться не сумел даже он. Персонажи его фильмов — дети или подростки — выглядят тоже очень мило, сразу вызывают своими открытыми, честными лицами доверие и симпатию.
Еще одна особенность аниме: сериалы, снятые для детей и подростков, часто не просто показывают и развлекают, а еще и учат, воспитывают.
И прежде всего — непреходящим моральным ценностям. Даже в сериалах для взрослых, в таких как “Нуар”, где героями являются две девушки — наемные убийцы, и “Черная лагуна”, повествующая о жизни бандитов и отщепенцев, все равно оказывается, что герои имеют свой кодекс чести, встали на преступный путь лишь в силу обстоятельств, а противостоят им совершенно аморальные типы, носители так называемого “чистого зла”.
А если уж брать один из самых популярных сейчас в Японии сериалов “Ван-Пис”, который, между прочим, уверенно подошел к барьеру в четыре сотни серий и вот-вот его перевалит, то весь он построен на том, что главный герой Луфи де Монк, наделенный волшебным умением растягивать собственное тело, ради спасения друзей в полном смысле этого слова сворачивает горы, забирается на небо и повергает ниц орды врагов. Кстати, там, по-моему, не погиб ни один из главных или второстепенных героев. Даже злобные враги, как правило, разбитые в пух и прах, полежав некоторое время, поднимаются и, поворчав для порядка, убираются прочь с дороги Луфи и его друзей. И это не идет во вред сериалу, не уменьшает его популярности. Наоборот. Сметливый зритель получает дополнительное удовольствие, пытаясь угадать, каким именно способом создатели сериала спасут своих героев из очередной смертельно опасной ловушки.
И еще о взгляде на мир. Вот сериал “Мастер муси”. Главная идея: есть некие волшебные создания муси, они появляются в домах и лесах поблизости от поселений, они способны изменять свой вид и превращаться в живых людей, могут создавать иллюзии. От села к селу идет человек, мастер, борец с муси, этакий спаситель от волшебной напасти. В общем, ситуация достаточно стандартная для нашей и европейской фэнтези — любители и знатоки сразу вспомнят, скажем, знаменитого “Ведьмака” Анджея Сапковского.
Только есть отличие. Прежде чем взяться за “работу”, мастер должен выяснить, приносят муси живущим в данном селении людям зло или добро. Он начинает с того, что пытается понять: имеет ли смысл хоть что-то менять. Может, такое положение вещей на самом деле всех устраивает? А если устраивает, это хорошо. Следует идти дальше. В половине случаев, с которыми сталкивается герой сериала, так и происходит. И никакой беготни, махания холодным оружием, крови. Если у Сапковского практически каждая встреча с неведомым магическим созданием заканчивается точным ударом ведьмачьего меча, то в двадцатишестисерийном “Мастере муси” холодное оружие обнажается только один раз. Причем клинком орудует не мастер, а женщина, защищающая от него волшебное создание, поскольку оно приняло облик ее погибшего сына.
Или вот, например, если уж говорить о борцах с нечистью, сериал под названием “Мононоке” — так называемый “ужастик”, хоррор. Главный герой этого сериала, столкнувшись с очередным злым духом — мононоке, прежде чем действовать, тоже обязан определить, с кем имеет дело, а потом еще выяснить суть и причину происходящего. Что бы ни происходило, какая бы опасность ни грозила ему и окружающим, порядок не должен нарушиться.
И этот принцип, конечно же, пришел в аниме из самой системы японской жизни, из культивируемого уважения к порядку, к утонченной красоте. Кстати, не отсюда ли такая тщательная прорисовка всех изображений, такое внимание даже к самым мелким деталям?
Вот, скажем, парад роботов — пятиминутный кусочек из культовой полнометражки “Призрак в доспехах — 2”. Сначала любуешься выверенными движениями персонажей, самим зрелищем, но при повторном просмотре начинаешь замечать и более мелкие детали. Бесчисленное количество конфетти, десятки птиц, каждая из которых имеет свой силуэт и летит по своей траектории, да и сам парад, шествие сотен участников, выписанных со всей возможной тщательностью. И все это вручную подробно и тщательно прорисовано: движение совершенно естественное и без малейшей ошибки. Собственно, так нарисован и весь мультфильм.
Чем еще характерно аниме? Тем, что, несмотря на всю свою “японскость”, всеядно. Используется любой материал, годный для хорошей истории, — даже явно заимствованный. Все идет в дело. Не просто используется — видоизменяется, додумывается, приобретает иной смысл.
История о графе Монте-Кристо? Да запросто. Только это будет уже несколько иная история. Судьба шевалье де Еона, послужившая нашему писателю Пикулю основой для романа “Пером и шпагой”? Есть о нем сериал, но и тут к дворцовым интригам, поединкам на шпагах добавилась еще и изрядная доля мистики. Свифтовская история о летающем острове? Да вот же он, шедевр Миядзаки под названием “Небесный замок Лапута”. Но много ли в нем осталось от Свифта, от его образа летающего острова? И кстати, не постаревшую ли андерсеновскую Маленькую разбойницу напоминает одна из самых колоритных персонажей “Небесного замка”?
Впрочем, бывают и исключения. Лет пятнадцать назад вышел полнометражный мультик о муми-троллях. Сделан он на основе иллюстраций самой Туве Янссон, автора этих замечательных историй. Не отступая ни на йоту, японцы эти иллюстрации переместили на экран, и герои шведской писательницы ожили. Правда, говорят они по-японски, но тут уже ничего не поделаешь.
Что я могу добавить, прежде чем мы перейдем к истории возникновения аниме? Ну хотя бы то, что каждая вещь на свете имеет как светлую сторону, так и темную. А спрос рождает предложение: там, где правят деньги, всегда находятся готовые ради выгоды удовлетворить самые низменные вкусы. Сказанные мной выше добрые слова относятся к лучшей части аниме, она просто огромна, как по направлениям, так и по тематике, но есть в ней большой пласт и ремесленнических поделок, комедий, буквально напичканных самым плоским и низкопробным юмором. Ну и конечно, поскольку аниме делается не только для детей, подростков, но и для взрослых, есть в нем жанр, называющийся хентай. По сути — самая обычная эротика, частенько и порнография. К искусству этот раздел аниме имеет малое отношение, поэтому говорить о нем здесь не имеет смысла.
С чего все началось?
читать дальшеЯпонская мультипликация возникла в самом начале двадцатого века. Первым считается фильм, произведенный в 1907 году. В нем около пятидесяти кадров, нарисованных на целлулоидной пленке. Следующие лет двадцать мультипликация Японии развивалась слабо. Группы энтузиастов снимали короткометражки продолжительностью от одной до пяти минут. Иногда они даже демонстрировались в кинотеатрах и имели успех у зрителей, но — не более.
Перед войной Япония стала выделять значительные по тем временам суммы на стимулирование производства детских и развивающих мультфильмов. Причем во время войны финансирование не прекратилось, а, наоборот, даже возросло. Вот только теперь манга и аниме были преимущественно агитационного содержания. И не случайно первый большой японский анимационный фильм (он шел аж 37 минут) назывался “Момотаро — морской орел” и повествовал в аллегорической форме о нападении японской авиации на Перл-Харбор. Снят он был в 1943 году, а два года спустя появилось и его продолжение.
После поражения Японии экономика страны находилась в плачевном состоянии, но победители-американцы ввезли в страну фильмы собственного производства, в том числе и мультипликацию Диснея. Она оказалась технически более совершенной и произвела на энтузиастов японской мультипликации большое впечатление — уже в 1946 году в Японии появилась первая крупная мультипликационная студия. Само собой, коммерческий эффект от созданных на ней лент оказался небольшим, но это становлению японской мультипликации не повредило. А тем временем в кинотеатрах Страны восходящего солнца шли один за другим американские мультфильмы. Показ их не прекратился даже после того, как режим оккупации был снят. Просто после этого диснеевские фильмы в Японию стали завозить на коммерческой основе. Они приносили большие деньги, и буквально руки чесались сделать что-то похожее.
В 1956 году в Японии возникла студия “Тоэй Дога”, уже на следующий год создавшая действительно полнометражный фильм “Легенда о белой змее” — мифологическую историю о любви юноши и девушки. По тем временам для японской мультипликации это стало большим шагом вперед. Вскоре мультипликационные студии стали появляться одна за другой, но большая часть выпускаемой ими продукции все еще была подражанием американским образцам.
В 1960 году студия “Тоэй Дога” выпустила мультфильм “Путешествие на Запад” по манге Тэдзуки “Большое приключение Гоку”. С этого момента стало ясно, что японская мультипликация намерена идти своим, особым путем. Уже в 1963 году появился анимационный сериал “Могучий атом”. Показывался он по телевидению, и, видимо, отсюда и надлежит отсчитывать историю японского анимационного телевидения.
Сериал был принят на “ура”, и в том же году в Японии возникло еще несколько студий, которые принялись выпускать сериал за сериалом. Год спустя можно было уже говорить о том, что в японской телевизионной анимации сложилась традиция сериала для подростков, построенного в стиле так называемой “истории взросления”.
В 1964 году появляется первый полнометражный мультфильм на основе телесериала, причем того самого, под названием “Могучий атом”.
А студий становилось все больше, количество сериалов увеличивалось, и уже началось деление на жанры. К примеру, стали появляться сериалы, снятые целенаправленно для девочек. Они тоже рассказывали историю взросления, но главным героем в таком сериале обязательно являлась девочка. Появились сериалы на спортивную тему и юмористические.
В 1969 году начал выходить самый долгий в истории человечества сериал. Называется он “Садзаэ-сан” и выпускается до сих пор.
Аниме продолжало открывать новые горизонты и вырабатывать свои каноны. Именно тогда появилась система, продиктованная тем, что сериалы шли в основном на телевидении. Одна серия в неделю, и поскольку в квартале их тринадцать, то и количество серий в сериале должно быть кратно именно этому числу. Продолжительность серии может колебаться от 23 до 25 минут. Вместе с блоком рекламы получается почти точно полчаса.
Этой системы в аниме придерживаются и до сих пор — отступления от нее бывают, но довольно редко.
До “золотого века аниме”, которым традиционно считаются восьмидесятые годы, оставалось совсем немного. И уже вовсю работали будущие великие мастера аниме, те, кто, не жалея сил и времени, приложив недюжинное умение и талант, сделал возможным его наступление.
Великие мастера
читать дальшеСамый знаменитый — не только в Японии, но и за ее пределами — это, конечно, Хаяо Миядзаки. Каждый его новый фильм становится настоящим событием.
К примеру, лента “Унесенные призраками”, вышедшая на экраны в 2001 году, получила Гран-при Берлинского кинофестиваля, после чего ее взяла для проката в США студия “Уолт Дисней”. Уже к этому моменту мировые кассовые сборы ленты составили 260 миллионов долларов. Кстати, “Уолт Дисней” не прогадала. В Америке “Унесенные призраками” приобрели огромную популярность.
А начинал великий мастер аниме достаточно стандартно, в компании “Тоэй Дога”, и произошло это в 1963 году. Пройдя путь от обычного рисовальщика до режиссера, первый свой сериал Миядзаки снял только в 1978 году. В следующем, 1979-м, увидел свет первый его полнометражный мультфильм под названием “Люпен III: Замок Калиостро”. Фильм имел такой успех, что Миядзаки предложили работу в Америке. Он отказался и в 1984 году снял полнометражное аниме по собственной манге “Наусика [Навсикая] из долины ветров”. Фильм вызвал у зрителей восторг.
Вдохновленный этим, Хаяо Миядзаки вместе с Исао Такахата основал студию “Гибли”, ставившую своей целью производство только высококачественных полнометражных мультфильмов. Студия не просто выжила в борьбе с менее щепетильными конкурентами, но и стала своеобразным знаком качества. Все ее фильмы вошли в золотой фонд аниме.
Здесь Миядзаки снял “Небесный замок Лапута” (1986), “Мои соседи Тоторо” (1988), “Служба доставки Кики” (1989), “Порко Россо” (1992), “Принцесса Мононоке” (1997). Эти фильмы сделали его настоящим гранд-мастером аниме.
Положение Миядзаки еще более упрочилось после выхода “Унесенных призраками”. Сохранив в неприкосновенности дух японской анимации, Миядзаки благодаря своему таланту сумел привнести в фильмы нечто, заставившее и жителей других стран сопереживать героям этих лент и полюбить их всем сердцем.
Миядзаки, кстати, отнюдь не почивает на лаврах. В 2004 году им выпущен новый шедевр — “Шагающий замок Хоула”, а в 2009-м — фильм “Рыбка Поньо на утесе”, по сюжету схожий с андерсеновской “Русалочкой”.
Кто же они — другие, помогавшие развитию и становлению жанра? Их много, и о них можно написать отдельную книгу, толстую и очень интересную. Вот хотя бы некоторые из них.
Хидеаки Анно, на всю жизнь “заболевший” аниме, ярый его фанат, со временем превратившийся в крупнейшего режиссера. В 1984 году как аниматор принимал участие в создании “Наусики из долины ветров”. В том же 1984-м он выпустил свое первое полнометражное аниме “Крылья Хоннеамиз”. В дальнейшем было еще несколько лент, встреченных зрителями очень тепло и даже получавших премии анимационных журналов. В 1994-м Анно выпустил сериал “Евангелион нового поколения”, вполне оправданно получивший статус классического.
Кунихико Икухара начал работать в аниме в 1986 году на студии “Тоэй Дога”. Работал над рядом сериалов для девочек. В 1992 году включился в работу над сериалом “Прекрасная воительница Сейлор Мун” и вскоре занял в нем должность главного режиссера. Сериал этот стал известен далеко за пределами Японии. В 1997 году Икухара выпустил новый сериал, “Юная революционерка Утэна”, ставший образцом эстетического аниме.
Мамору Осии, живой классик аниме. Первый его сериал назывался “Несносные пришельцы”, и работал он над ним с 1981 по 1986 год. С успехом приняв участие еще в нескольких проектах, он снял сериал “Патлабор”, не оставшийся незамеченным любителями аниме. Им же некоторое время спустя были сняты две полнометражки по этому сериалу. Однако настоящая слава пришла к Осии лишь после того, как он выпустил полнометражку “Призрак в доспехах”, поразившую всех, да и до сих пор поражающую совершенством графического исполнения, тщательной проработкой деталей и новыми анимационными приемами. Фильм быстро стал культовым. А в 2004 году режиссер выпустил его продолжение, получившее еще большую известность. Вслед за ним последовал сериал с тем же самым названием, а также и третья полнометражка.
Кацухиро Отомо, создатель манги и режиссер. В 1988 году снял по собственной манге аниме “Акира” — первое аниме с форматом “24 кадра в секунду”, ставшее известным не только в Японии, но и за рубежом. В 1995 году вышла лента “Воспоминания”, снятая по ранним рассказам Отомо. Мультфильм состоит из трех новелл, нарисованных в самых различных стилях, и показывает, насколько необычным может быть аниме.
Благодаря усилиям этих людей и еще многих других, не менее талантливых и упорных, аниме превратилось в индустрию, обладающую целой армией поклонников по всему свету. И если в начале восьмидесятых аниме, что называется, “было на подъеме”, то с середины десятилетия начался настоящий бум. Количество создателей мультфильмов и, соответственно, студий резко рвануло вверх. Это пошло аниме только на пользу. Оно стало буквально всеохватывающим, показывая и отражая все стороны японской жизни, вобрав в себя все жанры научной фантастики и фэнтези, не забыв об уже проверенных временем, полюбившихся зрителям волшебной сказке и древних легендах, добавив юмор и сатиру. Все пошло в дело, все послужило на благо аниме, как у хорошей кухарки, у которой не пропадет ни один съедобный кусочек.
Сегодня
читать дальшеЧто такое аниме сейчас? Огромная система, хорошо отлаженная и работающая полным ходом, по объемам выпускаемой продукции способная запросто утереть нос всем прочим производителям мультфильмов в мире. Система, выпускающая сотни новых мультсериалов в год. Протяженность этих сериалов колеблется от тринадцати серий до нескольких сотен. К примеру, такой гигант, как “Ван-Пис”, насчитывает уже около четырех сотен серий. “Наруто”, повествующий о приключениях юного ниндзя, в которого вселился дух волшебного лиса, — более двух сотен серий. “Блич”, рассказывающий о том, как пятнадцатилетний парень умудрился подружиться с Синигами, богиней смерти, и вступить с ее помощью в борьбу с духами смерти, — тоже около двухсот серий. Сериал “Детектив Конан” (понятно, о чем и о ком) насчитывает более пятисот серий. А детский сериал про кибернетического кота “Дораэмон” — почти
1800 серий.
И это не исключение. Можно перечислить еще некоторое количество сериалов если и уступающих вышеперечисленным по объему, то совсем не намного. К примеру, семьдесят серий, повествующих об игроках в го, никого не удивляют, а история о приключениях получеловека-полудемона Инуяси запросто может длиться более ста шестидесяти серий.
К чему это я? Просто хочу дать понять, каковы реальные объемы этой киноиндустрии. Причем большая часть аниме если не поражает художественностью, то вполне способна составить жесткую конкуренцию тем же американским мультикам по части занимательности. Почему именно диснеевским? Ну хотя бы потому, что на данный момент эта страна чуть ли не единственная сумела поставить производство мультипликационных сериалов на поток. Она и — Япония. Нет, я ни на что не намекаю. Делайте выводы сами.
А еще у аниме есть одно любопытное свойство. Я уже говорил о его всеядности, о том, что оно отражает все стороны жизни. Благодаря этому любой, попавший в мир аниме, обязательно найдет что-то на свой вкус. А найдя, не захочет покидать этот изобильный мир. Поиск “своего” специально облегчается тем, что аниме жестко структурировано. Каждый фильм или сериал обладает определенными признаками, что позволяет точно отнести его к тому или иному жанру. Жанров этих множество, и в каждом жанре есть великое разнообразие аниме, полный спектр возможных вариантов.
Пример? Да запросто. Отринем фантастику и мистику, поскольку аниме, сделанных в этих жанрах, легион, обратим взор на обычную жизнь. Потом еще более сузим поле зрения и остановимся всего лишь на сериалах о (и для) молодежи. Насколько они разнообразны, могут ли удовлетворить самый прихотливый вкус?
Желаете посмотреть историю из повседневной жизни студентов? Пожалуйста. Сериал “Мед и клевер”. Быт учеников музыкальной школы? Вот он — “Нодамэ Кантабиле”. Будни студенческой музыкальной группы? “Белый альбом”. Любовные отношения? Ох, тут можно назвать не просто много, а очень много. Ну, скажем, “Нана”. Не очень большой сериал — всего 47 серий. Отношения с работодателем? “Золотой парень”. Молодой человек в мире законодателей моды? Чего проще — “Парадиз Кисс”. Отношения девушки и парня — хронических неудачников? “Токийский мраморный шоколад”. Девушка-трудоголик? “Работяга”. Спорт? “Инициал „Ди” — стадия вторая”. Жизнь фанатов аниме? “Гэнсикэн”.
А если, допустим, попытаться назвать аниме-сериалы о школе, то за сотню с ходу можно ручаться. После краткого размышления наберется вторая сотня. Заглянув в каталоги, можно назвать и третью, хорошенько покопавшись в них — четвертую.
Учтено все. Даже потребности эстетов и интеллектуалов. Конечно, список тут будет не в пример короче. Подобные аниме — продукт штучный. Однако и редкостью их тоже не назовешь. Ровно столько, чтобы удовлетворить любой, самый взыскательный вкус.
Взять ту же “Меланхолию Харухи Судзумии”. Один сюжет чего стоит! Будни школьного кружка, во главе которого стоит богиня. Причем стоит ее настроению испортиться — и окружающий мир оказывается на грани уничтожения. Кстати, она лично о своей божественной сущности и не подозревает. Зато великолепно знают члены кружка, временами ценой просто героических усилий поддерживающие ее настроение на необходимом для выживания всего людского рода уровне. Да, кстати, кружок этот Харухи Судзумия организовала для поиска разнообразных чудес и необычностей, ибо жизнь кажется ей обыденной, пресной и неинтересной. А авторы сценария добавили к этому сюжету бездну юмора, всласть посмеялись над штампами, встречающимися в других аниме, да еще и запутали все, насколько смогли. Первая серия, к примеру, оказывается всего лишь любительским фильмом, снятым для развлечения кружком Харухи Судзумии, что выясняется только серии к пятой, да и то поскольку она рассказывает о его съемках.
Еще есть “Агент Паранойи”, вроде бы сериал о реальной жизни, но на самом деле наполненное причудливыми аллюзиями совершенно фантасмагорическое повествование. “Когти зверя”, волшебная философская история о звериной сущности людей, о предательстве и плате за него, о настоящей любви, побеждающей все. И конечно, нельзя умолчать и о полнометражке “Железобетон”, великолепной вещи, вкусной и очень фактурной, запоминающейся надолго. Список этот можно продолжать сколь угодно.
Все эти аниме — сериалы вроде бы совершенно не коммерческие — на самом деле выполняют важную миссию. Они уничтожают лакуны, делают список предлагаемых товаров полным, позволяют заявить: “Здесь вы найдете все, что пожелаете, действительно — все”.
Какова история аниме в нашей стране? Первая встреча с ним была еще в советское время. Тогда по стране прошел полнометражный мультфильм “Корабль-призрак”, который сейчас кажется весьма наивным, но в то время запомнился своей новизной, необычностью. После перестройки, в девяностых годах, страну захлестнул вал американских фильмов. Распространялись они на кассетах, и время от времени среди американских комедий, боевиков, мелодрам попадались и сборники аниме. Часть из них была тем самым “хентаем”, и все они были переведены любителями — на весьма низком уровне.
К середине девяностых на наших телеэкранах появился сериал “Красавица-воин Сейлор Мун” (под названием “Луна в матроске”). Сериал был рассчитан на подростковую аудиторию и нашел у нее отклик. Стали появляться первые клубы любителей аниме. Стремительно развивающийся Интернет этому только способствовал. Теперь любителям аниме с его помощью стало гораздо легче общаться и обмениваться фильмами. Отдельные обеспеченные фанаты выписывали с его помощью лицензионные кассеты из-за рубежа. К концу девяностых чуть ли не на каждом крупном радиорынке было несколько лотков с кассетами аниме, переведенными и размноженными нашими “умельцами”. Аниме стало приносить деньги, и его распространение увеличилось, пусть пока и на кустарном уровне.
Появление цифровых носителей упростило и удешевило распространение аниме. В Интернете появились тематические сайты. В стране один за другим проходили фестивали японской мультипликации и аниме. Начиная с 2003 года возникло несколько компаний, подписавших договоры с японскими дистрибьюторами и приступивших к выпуску лицензионных дисков с аниме. Почти тогда же стал выходить журнал “Аниме” — и не он один.
Сейчас к бумажным изданиям прибавилась парочка онлайн-журналов. Существует несколько клубов, в которых регулярно проходят аниме-вечеринки и ня-пати. В Интернете есть десятки сайтов, где можно узнать о новинках, о дате их выхода, посмотреть релизы к этим новинкам. Аниме-движение все увереннее набирает обороты.
И еще, напоследок, мне бы хотелось привести кое-какие цифры. В 2008 году правительство Японии намеревалось потратить на популяризацию аниме и манги в Европе около 1,3 миллиона долларов — и потратило, будьте уверены. Только на одну Европу. Что послужило причиной такой заинтересованности в аниме на уровне правительства?
Начиная с 2003 года число иностранных туристов, желающих посетить Японию, постоянно растет. В 2007 году страну посетили уже более восьми миллионов человек. При этом продавцы крупнейших магазинов, торгующих аниме-атрибутикой, утверждают, что около трети их покупателей составляют американцы и европейцы, для которых в порядке вещей потратить довольно крупные суммы на мангу или фигурки анимешных персонажей. Что ж, вот и объяснение. Аниме-движение увеличивает количество туристов, соответственно, и приток иностранной валюты в страну.
Мир аниме превратился в индустрию — могучую, работающую в полную силу и все время набирающую обороты. Все признаки налицо, вплоть до клубов фанатов по всему миру, распространяющих аниме-атрибутику, одежду, статуэтки, наклейки, регулярно проводящих аниме-мероприятия. Объемы выпускаемой продукции настолько велики, что с ними не может сравниться даже очень раскрученная американская мультипликация. Некоторым естественным ограничителем здесь стала, однако, особая ментальность японцев. Берущая начало из древности, она до сих пор присуща японской культуре. Она привлекает своей экзотичностью, но и одновременно отталкивает, ибо не совсем понятна среднему европейцу и американцу. Японские аниматоры это уже поняли и учитывают. Вероятно, именно потому в последнее время в аниме все меньше и меньше героев с азиатскими чертами лица. Если приглядеться, то большая часть из них — типичные европейцы. Да и имена у многих из них вполне европейские.
Еще одним барьером является язык. Большая часть переводов аниме выполнена фанатами-непрофессионалами. Работают они достаточно оперативно, но переводы эти далеки от совершенства. Думаю, если создатели аниме сумеют тем или иным образом решить эти проблемы, в ближайшем будущем можно будет говорить о серьезной интеграции аниме с европейской и американской мультипликационной индустрией. Чем это закончится? Покажет будущее. Оно любит удивлять самыми неожиданными результатами. Почти наверняка это ему удастся и в данном случае.
Кудрявцев Леонид Викторович родился в 1960 году. С 1989 по 1994 год работал в издательской системе. Стипендиат Литфонда Союза писателей СССР. В 1993 году принят в красноярский Союз писателей. С 1994 года – профессиональный писатель, лауреат жанровых премий в области фантастики. Переводит с польского языка. Живет в Москве. В “Новом мире” печатается впервые.
источник